7 Audiomischtechniken, die jeder Produzent kennen muss

Sie haben vielleicht von einer scheinbar endlosen Liste von Mixing-Begriffen und Techniken gehört - Kompression, EQ, Sättigung, Hall und Delay, und so weiter und so fort. Aber was machen all diese Dinge gemein? Und was noch wichtiger ist, wie kannst du sie verwenden, wenn es darum geht, dein eigenes Audiomaterial zu mischen? Lesen Sie weiter, um es herauszufinden...

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So mischen Sie Musik: 7 wichtige Tipps

Stellen wir uns vor, Sie haben ein Instrument und möchten es mischen: Wie würde das aussehen? Wie würdest du das machen? Wo würdest du anfangen?!

In den folgenden Schritten gebe ich Ihnen ein Beispiel dafür, was eine Mischkette ist könnte sehen aus wie.

Der Grund, warum ich „könnte“ sage, ist, dass es kein einheitliches Rezept oder eine einheitliche Methode gibt, wenn es ums Mischen geht. Es gibt nur Schritte, die häufig verwendet, aber diese hängen sehr stark vom jeweiligen Audiomaterial ab, ob das Gesang mischen, Schlagzeug mischen, Gitarren mischen oder etwas anderes.

Aber trotzdem, hier ist 7 der am häufigsten verwendeten Schritte, mit denen Sie mit dem Mischen beginnen können, plus einige super kostenlos Plugin-Optionen für die Musikproduktion!

1. Korrigierender EQ

Wie Sie vielleicht schon vermutet haben, hat einer der ersten häufigsten Schritte beim Mischen alles mit dem EQ zu tun. Das Besondere an diesem Schritt ist, dass wir uns NUR darauf konzentrieren, den EQ zu verwenden, um Frequenzen zu reduzieren, anstatt irgendetwas zu verstärken (was später kommen wird).

Das könntest du dann sagen Das übergeordnete Ziel dieses Schritts besteht darin, alle unnötigen Frequenzen zu entfernen, die wir nicht benötigen.

Es ist wichtig, sich daran zu erinnern: Denke an den Kontext, in dem dein Sound abgespielt wird. EQ niemals im „Solo-Modus“. Auch wenn dein Audio beim Solospielen wirklich komisch klingt, klingt es im Kontext vielleicht immer noch gut, und das ist das Wichtigste.

Braucht dein Sound wirklich die tiefen Frequenzen oder spielt schon ein Bass? Denke die ganze Zeit so. Und schneide nicht zu viel ab, da das im Kontext einfach unnatürlich klingt.

Kostenlose Plugin-Option: TDR Nova EQ

2. Kompression

Komprimierung ist eines der am meisten gehassten Themen unter Musikproduzenten und DJs weil viele Hersteller den Zweck nicht kennen oder es einfach jedes Mal verwenden, wenn sie mischen.

Aber ist das nötig? Nein!

Die Komprimierung reduziert den Dynamikbereich eines Signals. Was heißt das?

Sprechen wir zum Beispiel über Gitarren-Audio mischen. Stell dir vor, du nimmst einen Freund mit einer Gitarre auf. Er pickt mit dem Finger ein selbstgemachtes Lied. Während der Aufnahme schlägt er mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten auf die Saiten der Gitarre, was zu einer Aufnahme führt, bei der Teile laut und andere leiser sind. Das beschreibt der Dynamikbereich: der Unterschied zwischen dem leisesten und dem lautesten Teil eines Sounds/einer Aufnahme.

Also Aufnahmen mit höheren Dynamikbereichen benötigen eine gewisse Komprimierung, um die Aufnahme „flüssiger“ zu machen. Die Einstellungen im Kompressor hängen stark von Ihrem Audiomaterial ab. Stellen Sie daher sicher, dass Sie wissen, was die Regler bewirken, bevor Sie sie verwenden.

Kostenlose Plugin-Option: TDR Kotelnikow

3. Additiver EQ

Im zweiten Schritt — additives EQing — konzentrieren wir uns nur auf Hinzufügen fehlender Frequenzen. Aber welche Frequenzen fehlen? Nun, das liegt an dir. Verlassen Sie sich einfach auf Ihre eigenen Ohren, Ihren eigenen Musikgeschmack und darauf, was für Sie natürlich klingt.

Professionelle Mischingenieure geben oft einen Boost von etwa 3 kHz, weil das der Bereich ist, für den unsere Ohren am empfindlichsten sind. Einen Schub hinzufügen 300-500 Hz kann hinzufügen „Wärme“ zu deinem Sound, wenn du das wünschst. Eine andere Möglichkeit besteht darin, einen Schub hinzuzufügen über 7 kHz um etwas hinzuzufügen „Luft“.

Probiere und teste all diese Ansätze, aber entscheide jedes Mal, ob deine Tonaufnahme dadurch im Kontext wirklich besser klingt.

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4. Sättigung

Dieser Schritt ist fakultativ. Nicht jeder Sound benötigt eine Sättigung. Und in der Tat mag das bei manchen Sounds schrecklich klingen.

Warum?

Weil Durch die Sättigung werden Frequenzen hinzugefügt, die Sie möglicherweise bereits hinzugefügt haben. Aber einige Produzenten schwören, dass „es einen Track auf eine angenehme Weise färben könnte“, also lautet mein Tipp: Versuch und Irrtum. Sie werden feststellen, ob die Sättigung auf Ihrem Audiomaterial gut klingt oder nicht. Aber übertreibe es nicht. Dies kann den Sound völlig durcheinander bringen, wenn Sie es falsch machen.

Kostenlose Plugin-Option: Softtube-Sättigungsknopf

5. Stereo-Bild

Das haben Sie vielleicht gehört es ist wichtig, die Position des Tons im Stereobild einzustellen, und das ist richtig.

Indem du sie voneinander trennst, gibst du ihnen mehr Platz zum „Atmen“ und deinem Zuhörer ein besseres Stereobild, sodass er einzelne Sounds in deinem Track leichter lokalisieren kann.

Sie können das tun, indem Sie entweder Schwenken Ihres Audios nach links oder rechts oder indem Sie sie in Mono oder Stereo platzieren.

Kostenlose Plugin-Option: Alex Hilton A1 Stereosteuerungs-Plugin

6. Hall und Delay

Reverb & Delay sind kreative Effekte. Sie werden nicht jedes Mal benötigt, insbesondere die Verzögerung.

Seien Sie vorsichtig damit: Wenn Sie es zu oft verwenden, könnte sich das Delay mit anderen Delays überlagern und das klingt „schlammig“. Das Gleiche gilt für Hall — zu stark oder mit einem überdimensionierten Decay wird dein Song matschig.

Nutze daher hauptsächlich deinen Hall, um deinem Track/und den einzelnen Sounds darin ein Raumgefühl zu geben, damit es nicht trocken klingt. Unsere Ohren sind es gewohnt, alles in einem Raum zu hören, daher kann Hall erstaunlich gut klingen, wenn er richtig eingesetzt wird.

Ein großer Vorteil ist es, in Ihrem Projekt einen oder mehrere Hall-Sendbusse zu verwenden, zum Beispiel einen mit einem größeren und einen mit einem kleineren Hall. Und wenn Sie nicht wissen, was ein Sendebus ist, finden Sie es heraus hier!

7. Volumen

Endlich überprüfen Sie erneut die Lautstärke Ihres Sounds. Sie werden vielleicht feststellen, dass es jetzt viel lauter ist, mit all den Auswirkungen darauf, als es noch trocken war. Stellen Sie also sicher, dass Sie überprüfen, ob die Lautstärke im Kontext in Ordnung ist oder ob sie zu laut ist.

Weitere grundlegende Tipps zum Audiomischen...

Von Jetzt hast du einen guten Überblick über alle möglichen Schritte, die du verwenden könntest, um Mega-Mixe zu machen. Hier sind noch ein paar andere wirklich wichtige Dinge, die du beachten solltest — abgesehen von den eigentlichen Mischtechniken.

Diese sind gerechter allgemeine Tipps und Dinge, die Sie sich ansehen sollten vor und während du mischst.

Diese einfachen Hacks sparen dir viel Zeit und Problemlösung und werden von vielen bekannten Produzenten und Künstlern empfohlen.

Raumakustik ist wichtig

Viele Produzenten beginnen, ihre ersten Tracks in ihrem Schlafzimmer zu mischen. Und obwohl daran nichts falsch ist, sollten Sie einige Dinge in Betracht ziehen, wenn Sie dasselbe tun wollen.

Schlafzimmer sind oft voller flacher Oberflächen wie Möbel, Parkettböden, Glastische, Fenster und mehr. Diese Oberflächen neigen dazu, den Klang Ihrer Monitore zu reflektieren, was dazu führt, dass Sie falsche Mischentscheidungen treffen.

Warum? Weil der Reflexionen geben Ihnen falsche Eindrücke von dem Klang, den Sie hören.

Wie kann man das vermeiden? Besorgen Sie sich etwas, um sie abzudecken. Auch wenn es eine alte Decke ist. Wenn du etwas mehr Geld zum Ausgeben hast, versuche etwas Gutes zu finden Diffusorelemente im Internet, da sie so konzipiert sind, dass sie Schall absorbieren.

So sieht es normalerweise aus:

Platziere sie hinter deinen Monitoren (sie reflektieren auch auf ihren Rücken) und hinten in deinem Zimmer, wo du denkst, dass der Ton die Wand berühren wird. Platzieren Sie einige Bassabsorber - „Bassfallen“ - in jeder Ecke des Raums.

Jetzt ist Ihr Raum akustisch gut behandelt und Sie haben einen großen Vorteil, wenn es darum geht, bessere Mischentscheidungen zu treffen.

Unterschätzen Sie diesen Schritt nicht — ich habe das drei Jahre lang gemacht und es wirklich bereut.

Organisiere deine Audio-Mixing-Sessions

Du denkst vielleicht: „Warum zur Hölle sollte ich das tun? Ich habe nur 10 Tracks in meinem Projekt.“

Das ist richtig, aber mit der Zeit wirst du feststellen, dass deine Projekte immer größer werden (auch abhängig von deinem Genre). Und es ist leicht, schnell den Überblick über das Projekt zu verlieren. Aus diesem Grund empfehle ich Ihnen, Folgendes zu tun:

1. Erstelle eine Mischvorlage für deine DAW

Es muss am Anfang nicht perfekt sein — du kannst es im Laufe der Zeit weiterentwickeln und ergänzen. Aber das spart dir so viel Zeit beim Ausmalen von Tracks, beim Erstellen von Gruppen in deinem Mixer und vielem mehr.

So sieht meins aus:

2. Sortiere deine Proben

Erstellen Sie einen Ordner „Favoriten“ und sortieren Sie sie nach ihrem Genre. Gib ihnen bessere Dateinamen und mehr.

3. Erstelle eine „Mixing & Mastering-Schrittliste“

Es ist viel einfacher, damit einen Workflow zu entwickeln, wenn Sie mich fragen. Welche Schritte sollten zuerst gemacht werden, welche vielleicht später?

Nehmen Sie sich Zeit für Pausen

Das klingt vielleicht selbsterklärend, ist aber nicht für alle Produzenten geeignet.

Pausen sind wirklich wichtig, nicht nur um Ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen, sondern auch, um Ihre Ohren zu erfrischen.

Unsere Ohren neigen dazu, sich an Misserfolge zu gewöhnen. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie mischen einen basslastigen Track und bearbeiten den Bass mit einem EQ. Aber du warst schon die letzten zwei Stunden dort und hast dieses Projekt gemischt. Wenn Sie es das nächste Mal öffnen, stellen Sie fest, dass Sie den Bass viel zu stark verstärkt haben. Das liegt daran, dass du eine falsche Mischentscheidung getroffen hast (was manchmal normal ist). Du hast es dir so lange angehört, deine Ohren haben sich an diesen Fehler gewöhnt.

Also denk dran, nimm dir Zeit für eine Pause mindestens alle 60 Minuten.

Referenztracks verwenden

Die Verwendung von Referenztracks ist entscheidend, um bessere Mixing-Entscheidungen zu treffen.

Aber was ist ein Referenztrack? Es ist ein Track eines anderen Künstlers, der in Bezug auf Genre, Energie und Stil zu deinem Track passt. Sie können damit hören, was der andere Künstler getan hat, um es gut klingen zu lassen, die Frequenzbalance vergleichen, die Anordnung und die Lautstärke analysieren. Dadurch werden Ihre Produktionen im Laufe der Zeit viel professioneller klingen.

Es ist jedoch ein sehr breites Thema, sodass Sie verschiedene Techniken erlernen müssen, um die oben genannten Dinge zu analysieren. Ich kann hier nicht zu tief auf dieses Thema eingehen (es könnte ein ganz anderer eigener Blogbeitrag sein), aber wenn du mehr erfahren willst, suche einfach im Internet und auf Youtube. Ein gutes Video für den Anfang ist dieser von „In the Mix“.

Überprüfe deinen Mix auf verschiedenen Geräten

Es ist notwendig, deinen Mix auf so vielen verschiedenen Geräten wie möglich zu überprüfen, um sicherzustellen, dass er unter so vielen akustischen und technischen Bedingungen wie möglich funktioniert.

Nicht alle Lautsprecher klingen so flach wie Ihre Mischmonitore. Deinen Song über Kopfhörer zu hören ist anders als ihn über Lautsprecher zu hören, oder? Und es auf noch kleineren iPhone-Lautsprechern zu hören, unterscheidet sich von größeren Kopfhörern.

Andere Lautsprecher funktionieren nicht im Stereomodus, sondern im Mono-Modus. Funktioniert dein Mix gut, wenn du ihn in Mono hörst? Die einzige Möglichkeit, das herauszufinden, besteht darin, es über einen Mono-Lautsprecher zu hören (oder indem Sie ein Monosignal in Ihrer DAW emulieren).

Das gibt dir den Vorteil, dass du die „Schwachstellen“ deines Mixes anpassen kannst. vor du veröffentlichst es.

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Natürlich sind die Mischtechniken, die du verwenden kannst, nicht auf diese beschränkt, aber sie stellen die am häufigsten verwendeten Schritte dar und sind sehr gängige Methoden, um deine Sounds zu bearbeiten.

Denken Sie daran, dass jede Situation je nach Sound möglicherweise eine andere Bearbeitung erfordert.

Biographie des Autors

Hey, ich bin Marlon und ich bin der Gründer der Producer Academy auf Instagram, einer Lernplattform für Musikproduzenten. Wenn du tägliche Tipps zur Musikproduktion und einen persönlichen Lehrer haben möchtest, der deine Fragen beantwortet (kostenlos) und dir dieser Beitrag gefallen hat, besuche mich auf Instagram.

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